Wenn es ums Entdecken geht Bernini und wenn man versteht, was ihn von anderen Bildhauern der Renaissance und des Barock unterscheidet, ist es sehr leicht zu erkennen, warum er so großartig war. Die Herausforderung besteht darin, dass er ein so langes Leben führte und so produktiv war, dass es so viele Werke zu entdecken und zu schätzen gibt.
Eine eingehendere Analyse von Berninis Skulpturen
Insgesamt Berninis Werke scheinen lebensechter zu sein, sind voller Emotionen und versuchen, den Moment festzuhalten, der ihre Geschichte verkörpert.
Wie Sasha Slater von The Telegraph schrieb:
Der Barock sah bedeutende Veränderungen in der Kunst der Bildhauerei; Bernini war dabei an vorderster Front. Die Statuen der Renaissance-Meister waren streng frontal und diktierten dem Zuschauer, sie von einer Seite und nur von einer Seite zu betrachten.
Der David: Bernini gegen Michelangelo
Berninis Christian ist eine dreidimensionale Arbeit, die Raum um sich herum benötigt und den Betrachter herausfordert, um sie herumzugehen, um ihre sich ändernde Natur in Abhängigkeit vom Blickwinkel zu betrachten.
Die Skulptur bezieht sich auf eine unsichtbare Einheit - in Form von Goliath, das Objekt von Christian's Aggression - ebenso wie gegenüber dem Zuschauer, der mitten im Konflikt gefangen ist. Der Krieger überschreitet sogar buchstäblich die Grenzen zwischen Leben und Kunst und legt seine Zehen über den Rand des Sockels. Die Konventionen der Zeit sowie des Raums wurden in Frage gestellt. Anstelle der ruhigen Konstanz von zum Beispiel Michelangelos ChristianBernini hat sich entschieden, einen Bruchteil der Zeit im Verlauf einer kontinuierlichen Bewegung festzuhalten. So die latente Energie, die Michelangelos durchdringt Christian ist hier im Begriff, entfesselt zu werden.
Auf emotionaler Ebene waren Berninis Skulpturen Revolutionär für die Erforschung einer Vielzahl von extremen mentalen Zuständen, wie der hier gezeigten Wut. ChristianDas Gesicht, das die Stirn runzelt und sich auf die Unterlippe beißt, ist in konzentrierter Aggression verzerrt.
Baldinucci erzählt eine Anekdote darüber, wie Barberini Bernini einen Spiegel vors Gesicht halten würde, damit der Künstler die Skulptur nach seinem Vorbild modellieren kann. Dies zeugt von Berninis Arbeitsweise sowie von der engen Beziehung, die er zum zukünftigen Papst hatte.
Neben Versuchen des Realismus, Christian folgte auch zeitgenössische Konventionen darüber, wie eine Militärfigur dargestellt werden soll. Wie Albrecht Dürer zuvor postuliert hatte, war der vir bellicosus - der „kriegerische Mann“ - am besten mit den eher extremen Proportionen eines Kopf-Körper-Verhältnisses von 1:10 vertreten. Darüber hinaus hat der Krieger eine Fazies Leoninaoder das Gesicht eines Löwen, gekennzeichnet durch eine zurückweichende Stirn, hervorstehende Augenbrauen und eine gebogene Nase (Christian war schließlich später der "Löwe von Juda").
Schrieb Howard Hibbard in sein Buch über Bernini.
Berninis neuer Stil & der Neptun
Der neue Stil beginnt mit dem Neptun und erreicht seine erste eindeutige Wirkung mit dem Pluto, was uns von Anfang an durch seine erstaunliche Virtuosität verblüfft. In diesem und den folgenden Arbeiten scheint Bernini bestrebt zu sein, die Ressourcen der Marmorskulptur bis zum Äußersten zu treiben. Berninis erstaunliche Technik als Marmorschneider erlaubte er ihm anscheinend, das obdurate Material wie einen Teig zu modellieren und die Wirkung von Bronze zu erzielen, die aus Ton- oder Wachsmodellen gegossen wird. (Er wurde für genau diese Leistung von künstlerischen Moralisten bestraft, deren Kriterien auf abstrakten Vorstellungen wie „Wahrheit zu Materialien“ beruhen.)
Subtraktion vs. Addition
Renaissance-Schriftsteller, die ihre Theorie auf die Antike stützten, hatten den Prozess des Abbrechens von einem Block dem des Aufbaus und Modellierens aus Kunststoffmaterial gegenübergestellt: Subtraktion gegen Addition.
Michelangelos Verachtung für den letzteren Prozess ist bekannt. Bernini erreicht hier das Bildeffekte der Tonmodellierung (Ergänzung) durch die traditionelle Schnitzmethoden (Subtraktion); und seine erstaunlich realistische Technik steht im Dienst einer momentanen Vision. “
Pluto & Persephone
Die Handlung wird in einem Höhepunkt dargestellt:
Pluto scheint gerade das üppige Mädchen geschnappt zu haben, das sich vergeblich dreht, kämpft und laut schreit. Die Textur der Haut, die fliegenden Haarsträhnen, die Tränen von Persephoneund vor allem das nachgebende Fleisch des Mädchens in der Hand ihres göttlichen Vergewaltigers, als der triumphierende Gott an der Grenze des Hades vorbeigeht, symbolisiert durch die erschreckende Form von Cerberus, die auch als notwendige Unterstützung für die Gruppe dient.
Alle leiten eine neue Phase der Bildhauergeschichte ein.
Wir können die Entwicklung von Berninis Design anhand einer Zeichnung verfolgen, die zu zeigen scheint, dass seine ersten Ideen auf der berühmten Gruppe von basierten Giovanni Bolognese. Eine solche Statue bleibt in jeder Hinsicht unvollständig: Die Komposition schickt den Betrachter auf einer unerwiderten Suche nach Vollendung um die Statue herum. Diese Gyration verlängert und verzögert das endgültige Verständnis der Gruppe und bereichert ihre Bedeutung durch unzählige Ansichten. Man könnte tatsächlich sagen, dass die Summe dieser Ansichten die Arbeit ist.
Ein Standpunkt
Berninis neuer Ansatz strebt vor allem eine sofortige und vollständige Wirkung auf den Betrachter an. Um dies zu erreichen, musste er die Aktion unter einem Gesichtspunkt so vollständig wie möglich lösen. Bernini profitierte von seinen Erfahrungen mit dem Neptun, bei denen die Beziehung des Meeresgottes zum Wasser darunter einen Schwerpunkt für die Komposition darstellte, und schuf als nächstes eine Gruppe mit einem und nur einem vorherrschenden Aspekt. So ist Berninis Vision eher bildlich als konzeptuell.
Die Pluto und Persephone ist eine Art skulpturales Bild, aber im Gegensatz zu Malerei oder Relief gewinnt die Gruppe in der Runde durch die räumliche Unmittelbarkeit von drei vollen Dimensionen und durch reiche sekundäre Ansichten. Es muss betont werden, dass Diese anderen Ansichten sind eindeutig untergeordnet. Die Gruppe war so geschnitzt, dass sie von vorne gesehen werden konnte, und stand wie die anderen Borghese-Skulpturen an einer Wand. Als Geste des freundlichen guten Willens gab Kardinal Borghese - vorübergehend in Ungnade gefallen - die neu abgeschlossene Gruppe an Kardinal Ludovico Ludovisi, den Neffen des Papstes. “
Um es zu ersetzen, Borghese beauftragte eine andere Gruppe Darstellen Apollo und Seidelbast (oder vielleicht die Apollo und Seidelbasteinmal begonnen, schien so vielversprechend, dass der Kardinal glaubte, er könne es sich leisten, das zu geben Pluto Weg).
Diese Gruppe trägt die Bildsprache der Pluto & Persephone zu Höhen, die noch nie zuvor versucht wurden.
Das Ovidian-Thema, SeidelbastWährend es in Gemälden üblich ist, war es in der Skulptur aus Gründen, die man sich leicht vorstellen kann, selten. Weder Verfolgung noch Umwandlung von Fleisch zu Baum schienen für die Behandlung in drei gefrorenen Dimensionen aus der Ferne geeignet zu sein.
Wieder wählte Bernini den entscheidenden Moment:
- genauso wie Apollo denkt, er hat sein Ziel erreicht, SeidelbastDie flüchtende Form beginnt von der umlaufenden Rinde umhüllt zu werden. ihre Finger blättern aus; Ihre Zehen wurzeln.
- Apollo hat gerade seine Geliebte eingeholt und umgibt ihre Taille mit einem selbstbewussten Arm; aber sein Gesichtsausdruck zeigt den Beginn eines Bewusstseins an, dass etwas schief gelaufen ist.
- Seidelbast scheint ihre Verwandlung nicht zu kennen, als sie über ihre Schulter zurückblickt und die Lippen vor Schreck geöffnet sind.
- Ihr Mund scheint einen stillen Schrei zu umrahmen, als ihr Gesicht unter der Kraft der Transformation leer wird - eine Parallele zum Paradox der Form, die immer noch läuft und vor unseren Augen Wurzeln schlägt.
- SeidelbastDas Haar schwingt infolge ihrer plötzlichen Verhaftung herum und bläst frei mit einer Leichtigkeit, die Bernini selbst nie erreicht hat.
Die ganze Statue ist eine der erfolgreichsten Illustrationen einer literarischen Passage, die jemals gemacht wurde “, wie Howard Hibbard in seinem Buch Bernini schrieb.
Die Statue von Aeneas & Anchises von Bernini hat eine einzigartige Geschichte Experten waren sich nicht sicher, wer ihr Bildhauer war. Die Skulptur wurde lange Zeit von Berninis Vater Pietro als solche angesehen. Howard Hibbard, Autor und Experte für Bernini, schrieb: „The Äneas selbst ist von Michelangelo abgeleitet Auferstandener Christus in Santa Maria Sopra Minerva. Obwohl dieser Christus vielleicht die schwächste Figur ist, die Michelangelo jemals hervorgebracht hat. Welche positiven Eigenschaften die Äneas hat teilweise von dieser Quelle abgeleitet:
Muskeln, Sehnen und Venen spielen realistisch unter der Haut von Aeneas, um seinem Körper eine Männlichkeit zu verleihen, die im Kopf fehlt. Die schlaffe Haut des alten Mannes unterscheidet sich subtil von der des Sohnes und erinnert an Berninis Studium der Antike Seneca;; der pummelige Ascanius, der Bernini eine weitere Gelegenheit zur Darstellung der Oberflächentextur gab, vervollständigt Berninis drei Zeitalter des Menschen. Das zerzauste, leoninische Haar von Aeneas zeigt wieder das Studium des jungen Bildhauers von Hellenistische Modelle - Kurz gesagt, wie Wittkower gesagt hat: "Wir erleben die Geburt eines realistischen Stils, der durch das belebende Studium der klassischen Antike eingeleitet wird."
Die Statue hat auch eine religiöse Bedeutung: der alte Mann, der die Familie trägt Penaten aus der gefallenen Stadt, unterstützt von seinem Sohn, zeigt die Frömmigkeit gegenüber Gott und einem Elternteil und bietet ein altes Beispiel für den Triumph des Glaubens über die Widrigkeiten, ein beliebtes Thema in der Gegenreformation in Rom.
Die Äneas scheint unter den Cognoscenti ein Erfolg gewesen zu sein “, schrieb Howard Hibbard in seiner wegweisenden Arbeit über Berninis Leben und Werk.
Die Ekstase der heiligen Theresia
Diese Skulptur ist sowohl eines von Berninis umstrittensten Werken als auch eine seiner bekanntesten Errungenschaften die er für eine Seitenkapelle in vervollständigte Roms Kirche von Santa Maria della Vittoria von 1645 bis 1652. Bernini nannte es seine schönste Kreation.
Was Bernini hier auf den ersten Blick geschaffen hat, scheint eine profane Darstellung eines Heiligen (und einer Nonne) zu sein, der die Kraft Gottes erlebt - sich eins mit dem Herrn zu fühlen, bis zur heiligen Ekstase, aber es war auch eine politische Aussage. Es war eine Verteidigung gegen eine Verletzung der Frauenrechte, die zu der Zeit in der Welt zunahm, als ein konservativerer Zweig des Christentums immer beliebter wurde: Protestantismus.
Die in Mitteleuropa geborene neue Religion hatte die Ateliers, Kathedralen und die Open-Air-Leinwand erreicht, die sie Rom nannten. Eingeschränkt durch die Vatikan Plötzlich führte das, was sie malen konnten und wie sie es taten, zu enormen künstlerischen Verstößen und Rückschlägen. So benutzte Bernini aus Protest die Geschichte einer bereits kanonisierten Nonne, der heiligen Teresa. Als Beweis ihrer Göttlichkeit hatten Berichte über kirchliche Erfahrungen aus ihrem Tagebuch mit dem Vater, dem Sohn und dem Heiligen Geist ihre Heiligkeit verdient.
Die Hintergrundgeschichte dieser Skulptur ist lang, aber sie stammt aus einem Ereignis namens Konzil von Trient (1545 & 1563), wobei die Kirche versuchte, ihre Institutionen und Verhaltensweisen ihrer Vertreter im Gegensatz zur lutherischen Reformation zu moralisieren. Nach dem Konzil wurden sogar die Nacktheiten der Sixtinischen Kapelle entfernt und in der medizinischen Literatur wurde die Sündhaftigkeit des sexuellen Vergnügens von Frauen im Hinblick auf das Ziel der Fortpflanzung diskutiert.
In diesem Zusammenhang konnte Berninis Genie produzieren eines der größten Beispiele religiöser Kunst. Mit der Autobiographie der heiligen Teresa von Avila, in der Schwester Teresa an eine Vision erinnert, in der ein Engel vor ihr erschien und ihr Herz mit einem goldenen Speer durchbohrte, integriert Bernini den Beweis der göttlichen Liebe einer Nonne-Heiligen in die subversive Kraft der Frau Orgasmus. Konzeptionell ist die körperliche Verhaftung von St. Teresa eine Metapher für ihre spirituelle Euphorie, aber seine Wiedergabe dieses Konzepts ist so auffällig visuell, explizit und einnehmend, dass die Betrachter bei ihrem Anblick verblüfft sind.
Auf dieser Szene basiert Berninis Statue. Sein Engel greift nach seinem Pfeil, bereitet sich auf einen erneuten Schlag vor und schaut mit einem schlauen Lächeln auf die ohnmächtige Teresa hinunter. Teresa liegt überwältigt darunter, ihre Augen und ihr Mund in Ovalen der Euphorie, und ihre wellige Angewohnheit ahmt die Krämpfe nach, die durch ihren Körper dringen.
KUNSTWERKE:
Skulpturen
- Büsten von Scipione Borghese und Costanza
- Apollo & Seidelbast
- Die Christian
- Aeneas und Anchises
- Pluto & Persephone
- Die Ekstase der heiligen Teresa
- Selige Ludovica Albertoni
- Statue von San Longino
- Von der Zeit enthüllte Wahrheit
- Büste Ludwigs XIV
- Büste von Costanza
- Habbakkuk und der Engel
- Grab von Alessandro VII
- Büste von Scipione Borghese
- Nettuno und Tritone
- Anima Dannata
- Capra Amaltea
- Ein Faun von Kindern gehänselt
- San Sebastian
- Büste von Monsignore Pedro de Foix Montoya
- Ermafraodito schläft
- San Lorenzo Sulla Graticola
- Engel mit der Dornenkrone
- Büste von Kardinal Richelieu
- Wohltätigkeit mit vier Kindern
- Anima Beata
- Daniel und der Löwe
- Büste von Giovanni Vigevano
- Engel mit der Überschrift
- Meduse
- Büste von Francesco Barberini
- Heilige Bibiana
- Reiterstatue von König Ludwig XIV
- Büste von Thomas Baker
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