Cuando se trata de descubrir Bernini y entendiendo lo que lo diferencia de otros escultores renacentistas y barrocos, es muy fácil ver por qué fue tan genial. El desafío es que llevó una vida tan larga y fue tan prolífico que hay muchas obras por descubrir y apreciar.
En general, Obras de Bernini parecen más realistas, están llenos de más emoción e intentan capturar el momento que personifica su historia.
Como Sasha Slater de The Telegraph escribió:
"¿Dónde está Miguel Ángel David Soñando despierto, Bernini frunce el ceño, se muerde el labio inferior, se dobla hacia un lado y tuerce la honda para soltar una piedra. Plutón, en el acto de secuestrar Perséfone, mira como él le agarra la cintura regordeta y el muslo con hoyuelos, mientras Cerberus gruñe a sus pies. Eneas levanta anquis sobre sus hombros para salvarlo del saco de Troya y se dirige a fundar Roma.
El barroco vio cambios significativos en el arte de la escultura; Bernini estaba a la vanguardia de esto. Las estatuas de los maestros del Renacimiento habían sido estrictamente frontales, dictando al espectador que lo viera desde un lado, y solo desde un lado.
El David: Bernini Vs Michelangelo
Bernini's David es un trabajo tridimensional que necesita espacio a su alrededor y desafía al espectador a caminar a su alrededor, a fin de contemplar su naturaleza cambiante dependiendo del ángulo desde el que se ve.
La escultura se relaciona con una entidad invisible, en forma de Goliat, el objeto de Davidagresión, así como al espectador, atrapado en medio del conflicto. El guerrero incluso traspasa literalmente los límites entre la vida y el arte, poniendo los dedos de los pies sobre el borde del pedestal. Se desafiaron las convenciones de la época, así como el espacio. En lugar de la serena constancia de, por ejemplo, la obra de Miguel Ángel DavidBernini ha optado por capturar una fracción de tiempo en el transcurso de un movimiento continuo. Así, la energía latente que impregna el David está aquí en el proceso de ser desatado.
A nivel emocional, las esculturas de Bernini fueron revolucionario para explorar una variedad de estados mentales extremos, como la ira que se ve aquí. DavidEl rostro, frunciendo el ceño y mordiéndose el labio inferior, está contorsionado en concentrada agresión.
Baldinucci cuenta una anécdota de cómo Barberini sostenía un espejo frente al rostro de Bernini para que el artista pudiera modelar la escultura sobre sí mismo. Esto da testimonio de los métodos de trabajo de Bernini, así como de la estrecha relación que disfrutó con el futuro Papa.
Además de los intentos de realismo, David también seguido convenciones contemporáneas sobre cómo se debe representar una figura militar. Como había postulado anteriormente Alberto Durero, el vir belicosus —el “hombre belicoso” - se representaba mejor con las proporciones bastante extremas de una proporción de 1:10 entre la cabeza y el cuerpo. Además, el guerrero tiene un facies leonina, o la cara de un león, caracterizada por una frente en retroceso, cejas prominentes y una nariz curva (David después de todo, más tarde se convertiría en el "León de Judá").
Escribió Howard Hibbard en su libro sobre Bernini.
“El desarrollo inicial de Bernini está coronado por tres grandes obras talladas para el cardenal Scipione Borghese: Plutón y Perséfone, la Apollo y Daphne, la David Estos muestran maestría sucesiva y más: la brillante serie contiene nada menos que una revolución artística ”.
El nuevo estilo de Bernini y el Neptuno
El nuevo estilo comienza con el Neptuno y logra su primer impacto inequívoco con el Plutón, lo que nos sorprende desde el principio por su sorprendente virtuosismo. En esta y otras obras posteriores, Bernini parece empeñado en llevar los recursos de la escultura de mármol a su extremo. La estupenda técnica de Bernini como cortador de mármol, aparentemente le permitió modelar el material obstinado como si fuera masa y lograr los efectos del bronce, que se moldea a partir de modelos de arcilla o cera. (Ha sido reprendido precisamente por este logro por moralistas artísticos cuyos criterios se basan en concepciones abstractas como "la verdad de los materiales").
Resta vs. Suma
Los escritores del Renacimiento, basando su teoría en la antigüedad, habían contrastado el proceso de fragmentación de un bloque con el de construir y modelar material plástico: sustracción v. Suma.
Es bien conocido el desdén de Miguel Ángel por este último proceso. Bernini, aquí, logra el efectos pictóricos del modelado de arcilla (además) a través del métodos tradicionales de tallado (sustracción); y su técnica sorprendentemente realista está al servicio de una visión momentánea ".
Plutón y Perséfone
La acción se representa en un momento culminante:
Plutón parece haber arrebatado a la voluptuosa doncella, que se retuerce, lucha y llora en voz alta en vano. La textura de la piel, las cuerdas voladoras del cabello, las lágrimas de Perséfoney, sobre todo, la ceder carne de la niña en el abrazo de su violador divino mientras el dios triunfante pasa por la frontera de Hades, simbolizado por la forma aterradora de Cerbero que también sirve como un apoyo necesario para el grupo.
Todos inician una nueva fase en la historia escultórica.
Podemos seguir la evolución del diseño de Bernini a partir de un dibujo que parece mostrar que sus primeras ideas se basaron en el famoso grupo de Giovanni Bolonia. Tal estatuario permanece incompleto desde cualquier punto de vista: la composición envía al observador alrededor de la estatua en una búsqueda no completada de finalización. Este giro prolonga y retrasa la comprensión final del grupo mientras enriquece su significado a través de innumerables puntos de vista. Podría decirse, de hecho, que la suma de estos puntos de vista es el trabajo.
Un punto de vista
El nuevo enfoque de Bernini se esfuerza, sobre todo, por lograr un impacto inmediato y total en el observador. Para lograr esto, necesitaba resolver la acción lo más completamente posible desde un punto de vista.. Aprovechando su experiencia con Neptuno, donde la relación del dios del mar con el agua de abajo proporcionó un enfoque para la composición, Bernini creó a continuación un grupo con un solo aspecto predominante. Así, la visión de Bernini es pictórica más que conceptual.
La Plutón y Perséfone es una especie de imagen esculpida, pero a diferencia de la pintura o el relieve, el grupo en la ronda gana por el inmediatez espacial de tres dimensiones completas y por ricas vistas secundarias. Cabe destacar que estos otros puntos de vista son claramente subordinados. El grupo fue tallado para ser visto de frente y, como las otras esculturas de Borghese, estaba apoyado contra una pared. Como gesto de buena voluntad amistosa, el cardenal Borghese, temporalmente en desgracia, entregó el grupo recién terminado al cardenal Ludovico Ludovisi, sobrino del Papa ”.
Para reemplazarlo, Borghese encargó a otro grupo que representa Apollo y Daphne (o tal vez el Apollo y Daphne, una vez comenzado, parecía tan prometedor que el Cardenal sintió que podía permitirse dar el Plutón lejos).
Este grupo lleva el pictorialismo de la Plutón y Perséfone a alturas nunca antes intentadas.
El sujeto ovidiano, Daphne, aunque común en las pinturas, era raro en la escultura por razones que se pueden imaginar fácilmente, ni la búsqueda ardiente ni la transformación de la carne en árbol parecían remotamente adecuadas para el tratamiento en tres dimensiones congeladas.
De nuevo Bernini eligió el momento crucial:
- Tal como Apollo piensa que ha logrado su objetivo, DaphneLa forma que huye comienza a ser envuelta por la corteza circundante; sus dedos hojean; sus dedos de los pies echan raíces.
- Apollo acaba de alcanzar a su amada y rodea su cintura con un brazo seguro; pero su expresión facial indica el comienzo de una conciencia de que algo salió mal.
- Daphne Parece ignorante de su transformación mientras mira hacia atrás por encima del hombro, con los labios entreabiertos de miedo.
- Su boca parece enmarcar un grito silencioso mientras su rostro se queda en blanco bajo la fuerza de la transformación, un paralelo a la paradoja de la forma, aún corriendo, echando raíces ante nuestros ojos.
- DaphneEl cabello se balancea como resultado de su repentina detención y se suelta con una ligereza que el propio Bernini sintió que nunca igualaba.
Toda la estatua es una de las ilustraciones más exitosas de un pasaje literario jamás realizado ”, según lo escrito por Howard Hibbard en su libro Bernini.
La estatua de Eneas y Anchises por Bernini tiene un historia unica en que los expertos no estaban seguros de quién era exactamente su escultor. La escultura fue considerada durante mucho tiempo por el padre de Bernini, Pietro. Howard Hibbard, autor y experto en Bernini, escribió: “El Eneas en sí mismo se deriva de Miguel Ángel Cristo resucitado en Santa Maria Sopra Minerva. Aunque este Cristo es quizás la figura más débil que Miguel Ángel haya producido. Qué cualidades positivas Eneas tiene en parte derivado de esa fuente:
Los músculos, tendones y venas juegan de manera realista bajo la piel de Eneas para darle a su cuerpo una virilidad que carece de la cabeza. La piel flácida del anciano se diferencia sutilmente de la del hijo y recuerda el estudio de Bernini de la antigüedad. Seneca; el regordete Ascanio, que le dio a Bernini otra oportunidad para mostrar la textura de la superficie, completa las tres edades del hombre de Bernini. El despeinado y leonino cabello de Eneas muestra de nuevo el estudio del joven escultor de Modelos helenísticos - en resumen, como ha dicho Wittkower, "asistimos al nacimiento de un estilo realista, iniciado por el vigorizante estudio de la antigüedad clásica".
La estatua también tiene una importancia religiosa: el anciano que lleva a la familia penates de la ciudad caída, apoyada por su hijo, ilustra la piedad hacia Dios y hacia un padre, y ofreció un antiguo ejemplo del triunfo de la fe sobre la adversidad, un tema popular en la Roma de la Contrarreforma.
La Eneas parece haber sido un éxito entre los cognoscenti ", escribió Howard Hibbard en su trabajo seminal sobre la vida y las obras de Bernini.
El éxtasis de santa Teresa
Esta escultura es una de las obras más controvertidas de Bernini y uno de sus logros más reconocidos que completó para una capilla lateral en Iglesia de Roma de Santa Maria della Vittoria de 1645 a 1652. Bernini lo llamó su creación más bella.
Lo que Bernini creó aquí, a primera vista, parece ser una representación profana de un santo (y una monja) experimentando el poder de Dios, sintiéndose uno con el Señor hasta el punto del éxtasis santo, pero también fue una declaración política. Era una defensa contra una infracción de los derechos de las mujeres que estaba creciendo en el mundo en ese momento a medida que una rama más conservadora del cristianismo ganaba rápidamente popularidad: protestantismo.
Nacida en Europa central, esta nueva religión había llegado a los estudios, las catedrales y ese lienzo al aire libre que llamaban Roma. Restringido por el Vaticano De repente, sobre lo que podían pintar y cómo lo hicieron, resultó en una tremenda infracción artística y reacción violenta. Entonces, en protesta, Bernini utilizó la historia de una monja ya canonizada, Santa Teresa. Como evidencia de su divinidad, los relatos de experiencias eclesiásticas de su diario con el padre, el hijo y el espíritu santo le habían ganado la santidad.
La historia de fondo de esta escultura es larga, pero se origina con un evento llamado Concilio de Trento (1545 y 1563) por el cual la iglesia hizo un intento de moralizar sus instituciones y comportamientos de sus representantes en contraste con la Reforma Luterana. Después del concilio, se eliminaron incluso los desnudos de la Capilla Sixtina y la literatura médica discutió la pecaminosidad del placer sexual femenino hacia el objetivo de la reproducción.
Es en este contexto que el genio de Bernini pudo producir uno de los mejores ejemplos de arte religioso. Usando la autobiografía de Santa Teresa de Ávila en la que la hermana Teresa recuerda una visión en la que un ángel apareció ante ella y atravesó su corazón con una lanza de oro, Bernini integra la evidencia de una monja convertida en santa del amor divino con el poder subversivo de la mujer. orgasmo. Conceptualmente, el arresto corporal de Santa Teresa es una metáfora de su euforia espiritual, pero su interpretación de este concepto es tan sorprendentemente visual, explícita e interesante que los espectadores quedan atónitos ante su vista.
Vi en sus manos una larga lanza dorada [...] Esto, se hundió varias veces en mi corazón, que penetró hasta mis entrañas. [...] El dolor fue tan intenso que me hizo pronunciar varios gemidos, y sin embargo, ese dolor fue tan extremadamente dulce que no es posible desear que cese. (Santa Teresa de Ávila, 1515-1582)
Es esta escena en la que se basa la estatua de Bernini. Su ángel agarra su flecha, preparándose para atacar de nuevo, mirando a la desmayada Teresa con una sonrisa maliciosa. Teresa yace abrumada debajo, sus ojos y boca en óvalos de euforia, su hábito ondulado imitando los espasmos que se cargan a través de su cuerpo.
OBRAS DE ARTE:
Esculturas
- Bustos de Scipione Borghese y Costanza
- Apollo & Daphne
- La David
- Eneas y Anquises
- Plutón & Perséfone
- El éxtasis de santa teresa
- Beato Ludovica Albertoni
- Estatua de San Longino
- La verdad revelada por el tiempo
- Busto de Luis XIV
- Busto de Costanza
- Habbakkuk y el ángel
- Sepulcro de Alessandro VII
- Busto de Scipione Borghese
- Neptuno y Tritón
- Ánima Dannata
- Capra Amaltea
- Un fauno burlado por los niños
- San Sebastián
- Busto de Monseñor Pedro de Foix Montoya
- Ermafraodito dormido
- San Lorenzo sulla graticola
- Ángel con la corona de espinas
- Busto del cardenal Richelieu
- Caridad con cuatro hijos
- Ánima Beata
- Daniel y el león
- Busto de Giovanni Vigevano
- Ángel con la sobrescripción
- Medusa
- Busto de Francesco Barberini
- Santa bibiana
- Estatua ecuestre del rey Luis XIV
- Busto de Thomas Baker
