Quando si tratta di scoprire Bernini e comprendendo cosa lo differenzia dagli altri scultori rinascimentali e barocchi, è molto facile capire perché fosse così grande. La sfida è che ha condotto una vita così lunga ed è stato così prolifico che ci sono così tante opere da scoprire e apprezzare.
Un'analisi più approfondita delle Sculture del Bernini
Complessivamente, la Le opere di Bernini sembrano più realistici, sono pieni di più emozioni e cercano di catturare il momento che incarna la loro storia.
Come ha scritto Sasha Slater di The Telegraph:
Il barocco ha visto cambiamenti significativi nell'arte della scultura; Bernini era in prima linea in questo. Le statue dei maestri rinascimentali erano state rigorosamente frontali, imponendo allo spettatore di vederle da un lato e da un solo lato.
Il David: Bernini Vs Michelangelo
Bernini's David è un'opera tridimensionale che ha bisogno di spazio intorno e sfida lo spettatore a camminarci intorno, per contemplarne la natura mutevole a seconda dell'angolo da cui viene vista.
La scultura si riferisce a un'entità invisibile - nella forma di Golia, l'oggetto di DavidL 'aggressività - così come verso lo spettatore, colto nel mezzo del conflitto. Il guerriero supera letteralmente i confini tra vita e arte, mettendo le dita dei piedi oltre il bordo del piedistallo. Le convenzioni del tempo, così come lo spazio, furono messe in discussione. Invece della serena costanza, ad esempio, di Michelangelo David, Bernini ha scelto di catturare una frazione di tempo nel corso di un movimento continuo. Da qui l'energia latente che permea quella di Michelangelo David è qui in procinto di essere scatenato.
A livello emotivo, le sculture di Bernini lo erano rivoluzionario per esplorare una varietà di stati mentali estremi, come la rabbia vista qui. DavidIl viso, accigliato e mordendosi il labbro inferiore, è contorto in un'aggressione concentrata.
Baldinucci racconta un aneddoto di come Barberini avrebbe tenuto uno specchio davanti al viso di Bernini in modo che l'artista potesse modellare la scultura su se stesso. Ciò testimonia il metodo di lavoro di Bernini, nonché lo stretto rapporto che intrattenne con il futuro papa.
Oltre ai tentativi di realismo, David anche seguito convenzioni contemporanee su come dovrebbe essere interpretata una figura militare. Come Albrecht Dürer aveva precedentemente ipotizzato, il vir bellicosus - l '"uomo bellicoso" - era rappresentato al meglio con le proporzioni piuttosto estreme di un rapporto testa-corpo di 1:10. Inoltre, il guerriero ha un facci leonina, o la faccia di un leone, caratterizzata da una fronte sfuggente, sopracciglia sporgenti e un naso curvo (David dopotutto sarebbe poi diventato il "Leone di Giuda").
Ha scritto Howard Hibbard nel suo libro su Bernini.
Il nuovo stile di Bernini e il Nettuno
Il nuovo stile inizia con il Nettuno e raggiunge il suo primo impatto inequivocabile con il Plutone, che ci stordisce sin dall'inizio per il suo sorprendente virtuosismo. In questa e nelle opere successive Bernini sembra intenzionato a spingere al limite le risorse della scultura in marmo. La stupenda tecnica del Bernini come un tagliatore di marmo apparentemente gli ha permesso di modellare il materiale duro come se fosse pasta e ottenere gli effetti del bronzo, che viene fuso da modelli di argilla o cera. (È stato castigato proprio per questo risultato da moralisti artistici i cui criteri si basano su concezioni astratte come la "verità sui materiali").
Sottrazione vs. addizione
Gli scrittori rinascimentali, basando la loro teoria sull'antichità, avevano contrastato il processo di scheggiatura da un blocco con quello di costruzione e modellazione di materiale plastico: sottrazione contro aggiunta.
Il disprezzo di Michelangelo per quest'ultimo processo è ben noto. Bernini, qui, realizza il effetti pittorici della modellazione dell'argilla (aggiunta) tramite metodi tradizionali di intaglio (sottrazione); e la sua tecnica sorprendentemente realistica è al servizio di una visione momentanea. "
Plutone e Persefone
L'azione è rappresentata in un momento culminante:
Plutone sembra aver appena rapito la voluttuosa fanciulla, che si contorce, si dibatte e grida invano. La consistenza della pelle, le corde volanti dei capelli, le lacrime di Persefonee, soprattutto, la carne cedevole della ragazza nella stretta del suo stupratore divino mentre il dio trionfante oltrepassa il confine dell'Ade, simboleggiato dalla forma spaventosa di Cerbero che funge anche da supporto necessario per il gruppo.
Tutti iniziano una nuova fase nella storia della scultura.
Possiamo seguire l'evoluzione del disegno di Bernini da un disegno che sembra dimostrare che le sue prime idee erano basate sul famoso gruppo di Giovan Bologna. Tale statuaria rimane incompleta da qualsiasi punto di vista: la composizione manda l'osservatore intorno alla statua in una ricerca non corrisposta di completamento. Questa rotazione prolunga e ritarda la comprensione finale del gruppo arricchendone il significato attraverso innumerevoli visioni. Si potrebbe dire, infatti, che la somma di queste opinioni è il lavoro.
Un punto di vista
Il nuovo approccio di Bernini mira soprattutto a un impatto immediato e totale sull'osservatore. Per ottenere ciò, aveva bisogno di risolvere l'azione nel modo più completo possibile da un punto di vista. Approfittando della sua esperienza con il Nettuno, dove un focus per la composizione era fornito dal rapporto del dio del mare con l'acqua sottostante, Bernini creò successivamente un gruppo con uno, e un solo, aspetto predominante. Così è la visione di Bernini pittorico piuttosto che concettuale.
Le Plutone e Persefone è una sorta di quadro scolpito, ma a differenza della pittura o del rilievo, il gruppo a tutto tondo guadagna dal immediatezza spaziale di tre dimensioni complete e ricche viste secondarie. Va sottolineato che questi altri punti di vista sono nettamente subordinati. Il gruppo era scolpito per essere visto di fronte e come le altre sculture Borghese era appoggiato a un muro. In gesto di amichevole benevolenza il Cardinale Borghese - temporaneamente in disgrazia - ha consegnato il gruppo appena completato al Cardinale Ludovico Ludovisi, nipote del Papa ”.
Per sostituirlo, Borghese commissionò un altro gruppo che rappresenta Apollo che a Daphne (o forse il Apollo che a Daphne, una volta iniziato, sembrava così promettente che il cardinale sentiva di potersi permettere di donarlo Plutone lontano).
Questo gruppo porta il pittorialismo del Plutone e Persefone ad altezze mai tentate prima.
Il soggetto Ovidio, Daphne, sebbene comune nei dipinti, era raro nella scultura per ragioni che possono essere facilmente immaginate, né l'inseguimento accanito né la trasformazione dalla carne all'albero sembravano lontanamente adatte al trattamento in tre dimensioni congelate.
Anche in questo caso Bernini ha scelto il momento cruciale:
- proprio come Apollo pensa di aver raggiunto il suo obiettivo, DaphneLa forma in fuga comincia ad essere avvolta dalla corteccia che lo circonda; le sue dita sfogliano; le sue dita mettono radici.
- Apollo ha appena raggiunto la sua amata e le circonda la vita con un braccio fiducioso; ma la sua espressione facciale indica l'inizio di una consapevolezza che qualcosa è andato storto.
- Daphne sembra ignorare la sua trasformazione mentre si guarda alle spalle, le labbra aperte per la paura.
- La sua bocca sembra incorniciare un urlo silenzioso mentre il suo viso diventa vuoto sotto la forza della trasformazione - un parallelo al paradosso della forma, che ancora corre, mettendo radici davanti ai nostri occhi.
- DaphneI capelli oscillano per il suo arresto improvviso e si liberano con una leggerezza che lo stesso Bernini sentì di non aver mai eguagliato.
L'intera statua è una delle illustrazioni di maggior successo di un passaggio letterario mai realizzato ”, come scritto da Howard Hibbard nel suo libro Bernini.
La statua di Enea e Anchise di Bernini ha un storia unica in quanto gli esperti non erano sicuri di chi fosse esattamente il suo scultore. La scultura è stata a lungo considerata dal padre del Bernini, Pietro. Howard Hibbard, autore ed esperto di Bernini, ha scritto: “The Enea stessa è derivata da Michelangelo Cristo risorto a Santa Maria Sopra Minerva. Anche se questo Cristo è forse la figura più debole che Michelangelo abbia mai prodotto. Quali qualità positive il Enea sono in parte derivati da quella fonte:
Muscoli, tendini e vene giocano realisticamente sotto la pelle di Enea per conferire al suo corpo una virilità che manca alla testa. La pelle cascante del vecchio si differenzia sottilmente da quella del figlio e ricorda lo studio dell'antico del Bernini Seneca; il grassottello Ascanio, che ha dato a Bernini un'altra opportunità per mostrare la tessitura superficiale, completa le tre età dell'uomo di Bernini. I capelli arruffati e leonini di Enea mostrano ancora una volta lo studio del giovane scultore Modelli ellenistici - in breve, come ha detto Wittkower, "stiamo assistendo alla nascita di uno stile realistico, inaugurato dal rinvigorente studio dell'antichità classica".
La statua ha anche un'importanza religiosa: l'uomo anziano che trasporta la famiglia penati dalla città caduta, sostenuto dal figlio, illustra la pietà verso Dio e verso un genitore e offre un antico esempio del trionfo della fede sulle avversità, un tema popolare nella Roma controriforma.
Le Enea sembra essere stato un successo tra i cognoscenti ”, ha scritto Howard Hibbard nel suo lavoro fondamentale sulla vita e le opere di Bernini.
L'Estasi di Santa Teresa
Questa scultura è sia una delle opere più controverse del Bernini che uno dei suoi successi più rinomati che ha completato per una cappella laterale in Chiesa di Roma di Santa Maria della Vittoria dal 1645 al 1652. Bernini l'ha definita la sua creazione più bella.
Ciò che Bernini ha creato qui, a prima vista, sembra essere una rappresentazione profana di una santa (e suora) che sperimenta il potere di Dio - sentendosi uno con il Signore fino al punto di santa estasi, ma era anche una dichiarazione politica. Era una difesa contro una violazione dei diritti delle donne che stava crescendo nel mondo in quel momento mentre un ramo più conservatore del cristianesimo stava rapidamente crescendo in popolarità: protestantesimo.
Nata nell'Europa centrale, questa nuova religione aveva raggiunto gli studi, le cattedrali e quella tela all'aperto che chiamavano Roma. Limitato da Vaticano all'improvviso su ciò che potevano dipingere e su come lo facevano, si tradussero in una tremenda violazione artistica e contraccolpo. Così Bernini per protesta ha usato la storia di una suora già canonizzata, santa Teresa. A testimonianza della sua divinità, i resoconti delle esperienze ecclesiastiche tratte dal suo diario con il padre, il figlio e lo spirito santo le avevano guadagnato la santità.
La storia di questa scultura è lunga, ma ha origine da un evento chiamato Concilio di Trento (1545 e 1563) per cui la chiesa tentò di moralizzare le sue istituzioni e i comportamenti dei suoi rappresentanti in contrasto con la Riforma luterana. Dopo il concilio, anche le nudità della Cappella Sistina furono rimosse e la letteratura medica discuteva la peccaminosità del piacere sessuale femminile verso l'obiettivo della riproduzione.
È in questo contesto che il genio del Bernini ha saputo produrre uno dei massimi esempi di arte religiosa. Utilizzando l'autobiografia di Santa Teresa d'Avila in cui suor Teresa ricorda una visione in cui un angelo le apparve davanti e le trafisse il cuore con una lancia d'oro, Bernini integra la testimonianza dell'amore divino di una suora divenuta santa con il potere sovversivo della femmina orgasmo. Concettualmente, l'arresto fisico di Santa Teresa è una metafora della sua euforia spirituale, ma la sua interpretazione di questo concetto è così straordinariamente visiva, esplicita e coinvolgente che gli spettatori rimangono sbalorditi alla sua vista.
È questa la scena su cui si basa la statua del Bernini. Il suo angelo afferra la freccia, preparandosi a colpire di nuovo, guardando la svenuta Teresa con un sorriso malizioso. Teresa giace sopraffatta, gli occhi e la bocca in ovali di euforia, l'abito increspato che imita gli spasmi che le attraversano il corpo.
opere d'arte:
Sculture
- Busti di Scipione Borghese e Costanza
- Apollo & Daphne
- Le David
- Enea e Anchise
- Plutone & Persefone
- L'Estasi di Santa Teresa
- Beata Ludovica Albertoni
- Statua di San Longino
- La verità svelata dal tempo
- Busto di Luigi XIV
- Busto di Costanza
- Habbakkuk e l'Angelo
- Sepolcro di Alessandro VII
- Busto di Scipione Borghese
- Nettuno e Tritone
- Anima Dannata
- Capra Amaltea
- Un fauno preso in giro dai bambini
- San Sebastian
- Busto di Monsignor Pedro de Foix Montoya
- Ermafraodito dormente
- San Lorenzo sulla graticola
- Angelo con la corona di spine
- Busto del cardinale Richelieu
- Carità con quattro figli
- Anima Beata
- Daniel e il leone
- Busto di Giovanni Vigevano
- Angelo con la soprascritta
- Medusa
- Busto di Francesco Barberini
- Santa Bibiana
- Statua equestre del re Luigi XIV
- Busto di Thomas Baker
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